Puedes ver el post original en: https://www.danilodawson.com/listado-de-temas-musica-popular-a-analizar
Para aquellos estudiantes de música popular, tanto mis estudiantes de composición como de otras escuelas, que les interese exceder los límites impuestos por las escuelas tradicionales. Les dejo una lista de canciones (en la música popular les llamamos "temas") para analizar armónicamente (cosa que en mi escuela llamo "armonía vertical" y que en el mundo se conoce como "armonía jazz").
Los temas están ordenados por recursos utilizados; además dejo una lista de más temas libres que revisar de distintas dificultades que son conocidos por ser temas universales para el estudio, interpretación (e incluso para arreglos) para músicos populares.
Para analisis armónico desde el punto de vista jazz:
ARMONIA POP/JAZZ AVANZADA:
1:Res.Eng.A.D
Blood Count - Billy Strayhorn
All of me - Simons Marks
Chelsea Bridge - Billy Strayhorn
Early Autumn - Ralph Burns
I live for your love - Reswick/Werfel
I'm All smiles - Leonard/Martin
Bye Bye Blues - Hamm, Bennet, Cown, and Grey
Killer Joe - Benny Golson
Look to the sky - Jobim
Love will keep us together - Sedaka/Greenfield
Out of Nowhere - Green Heyman
Put it Where you want it - Joe Sample
Sea of love - Khoury/Batiste
Summer Samba - Marcus / Valle
Very Early - Bill Evans
2:I.M.
Breeze and I, the - Lecuona/Stillman
Dindi - Jobim
Do you know the way to San José - Bacharach/David
Eleanor Rigby - Lennon/McCartney
Every Little Thing - Lennon/McCartney
Flamingo - Anderson/Grouya
Fool on the Hill, The - Lennon/McCartney
Hard Day's Night, A - Lennon/McCartney
Here come the sun - Lennon/McCartney
I love you - Cole Portner
Look to the sky - Jobim
Lush Life - Billy Strayhorn
Old Devil Moon - Harburg/Lane
Promises, promises - Bacharach/David
What is this thing called love - Cole Porter
3:N.P&Ost
Birds of fire - John Mclaughlin
Chain Lighting - Steely Dan
Dear Prudence - Lennon/McCartney
Firm Roots - Cedar Walton
Footprints - Wayne Shorter
Getting Better - Lennon/McCartney
Got to get you into my life - Lennon/McCartney
High on the Mountain - Blood, Sweat and tears
Love Supreme, A - John Coltrane
Naima - John Coltrane
On the green dolphin street - Kaper/Washington
Owner of a lonely heart - Yes
Resolution - John McLaughlin
Sand Glass - Eberhard Weber
Sponge - Brecker Brothers
4:A.M.
Black Narvissus - Joe Henderson
Crystal Silence - Chick Corea
Darkness - The Police
First Light - Freddy Hubbard
Follow your heart - John McLaughlin
Little B's Poem - Bobby Hutcherson
Little Sunflower - Freddy Hubbard
Maiden Voyage - Herbie Hancock
Milestones - Miles Davis
Moondance - Van Morrison
Norwegian Wood - Lennon/McCartney
Recordame - Joe Henderson
Simone - Frank Foster
So What - Miles Davis
Within You, Without You - George Harrison
5:A.Comp.
After the Rain - John Coltrane
Choices - Mike Stern
Falling Grace - Steve Swallow
Goin' Home - The Yellowjackets
I'm your pal - Steve Swallow
Matinee Idol - The Yellowjackets
Napanoch - Dave Liebman
Never Givin'up - Al Jarreau
Peep - Michael Brecker
Plot Thickens, The - Jim McNeely
River People - Jaco Pastorious
Storyline - Bill Evans
Theme for an Imaginary Western - Jack Bruce
Ugetsu - Cedar Walton
Wisper not - Benny Golson
6:Estr.Cons.
After the love has gone - EWF
Birdland - Joe Zawinul
Gemini - Jimmy Heath
Havona - Jaco Pastorius
Intrepid Fox - Freddy Hubbard
Laurie - Bill Evans
Like Sonny - John Coltrane
Plot Thickens, The - Jim McNeely
Povo - Freddy Hubbard
Red Clay - Freddy Hubbard
Some Slunk Funk - Randy Brecker
Nimbus - Ron McClure
Stolen Moments - Oliver Nelson
Tell me a Bedtime Story - Herbie Hancock
Watch what happens - Michel LeGrand
También para aquellos que estudian composición conmigo hay una lista de canciones que tendrán que escuchar y analizar además de sus 50:
Elvis Presley
His lastest flame
Are you lonesome tonight
Love me tender
Cant help falling in love
Hound Dog
Jailhouserock
Latin
Dos gardenias
Algo contigo
Bésame mucho
Contigo aprendí
Contigo en la distancia
El día que me quieras
Inolvidable
La barca
Nosotros
Perdida
Reloj
Sabor a mi
Usted
Solamente una vez
Anexo: Otros temas para analizar:
Jazz
Nivel 1
blue monk
footprints
all of me
all blues
blues for alice
just friend
lady bird
alice in wonderland
take the a train
tune up"
Jazz
Nivel 2
my romance
four
askme now
cherokee
da houd
all the things you are
my one and only love
days of wine and roses very early there is not greater love
star eyes
billie`s bounce
airegin
prelude to a kiss
in wlaked bud
bluesette
this I dig of you
Jazz
Nivel 3
donna lee
giant steps
moment`s notice
yes and no
i mean you
along come betty
milestones (old)
stablemates fantasy in d o bolivia
26-2 o lazy bird
celia
on green dolphin street
dolphin dance
ornithology
Hace poco terminé la producción de un single que trata de la pérdida.
Compuesta el 2018 inspirado en una cantidad abismante de relaciones tóxicas de las que fui testigo, me enfoqué, en términos líricos, en la "aceptación de la sombra". La idea de que para romper patrones se debe primero que todo aceptar que existe éste.
La composición llevó a una investigación más profunda relativa a las relaciones humanas y las pulsiones primitivas que las impulsan. Es por eso que desde el punto de vista armónico, rompí la idea de la armonía mayor (está en C Major) y la inundé de acordes oscuros e intercambios que colorean e ironizan la simpleza de la línea melódica.
La composición estará lista el primer semestre del 2020 y será agregada al playlist en vivo de los conciertos; así como publicada en spotify y las otras plataformas musicales de moda.
----- Oopart:
Y en todo el proceso me di cuenta de la necesidad de expresar composiciones a otro nivel, dando origen al comienzo de una nueva etapa como compositor:
Primero que todo me vi obligado a fotografiar la imagen que tenía en la cabeza, del abandono (de lo anterior) y liberación en estado de vulnerabilidad que se encuentra implícito en la decisión de avanzar.
En segundo lugar me di cuenta que mis composiciones están tomando un giro que necesita un agente unificador que excede los límites de lo sonoro, ya son 7 discos y he viajado por muchas sonoridades y si bien, desde fines del 2018 volví a hacer conciertos, aún no había encontrado la forma de unificar la sonoridad de todo, es por eso que pedí ayuda...
Como muchas otras cosas en la vida, la mentalidad es clave para lograr algo y la producción no es una excepción.
Durante noviembre preparamos lo que sería la "Anti-presentación" de mi "Anti-escuela" de compositores. Comenzamos a producirla hace 5 meses aproximadamente y en esos momentos tratamos de calcular todo lo que podría salir mal y prepararnos para cada uno de esos casos, midiendo tiempos, costos y valores. Como ya sabrá el lector jamás pudimos anticipar el nivel de lo que sucedería.
A pesar de todo prevalecimos, y logramos el cometido, con mucho esfuerzo y disciplina se puso a prueba todo, desde el solfeo melódico y rítmico, el uso de la armonía, la escritura a mano, la lectura, el manejo del DAW, a cosas más profundas como la composición misma y la exploración de un lengüaje propio (especial desafío para aquellos que llevan menos de un año) así como también enfrentarse a ser líder y no volverse loco en el intento, contra el tiempo, contra los errores propios de ser humano y tener un equipo humano.
Todos aprendimos porque nos atrevimos a hacerlo, a sabiendas de que "todo lo que puede salir mal, saldrá mal" y que aunque hiciésemos todo para prevenir algún problema, existía (por supuesto) la posibilidad de que algo no previsto sucediese. Nos atrevimos a ser vulnerables y correr descalzos sobre el fuego y llegamos a la meta, porque fuimos un equipo.
En general mi máxima felicitación se limita a guardar silencio y continuar con el siguiente desafío, pero creo que merece un espacio de aplauso, aunque sea digital, todo ese esfuerzo que se concretó en una primera excelente experiencia. Gracias a todos uds. por su esfuerzo y trabajo duro.
En tiempos difíciles surge normalmente un movimiento de resistencia cultural.Si bien, el contexto ha puesto a cada colega en distintos contextos, y sin dejar de lamentar no poder estar en los escenarios como muchos amigos, la educación (y contención) de mis aprendices compositores ha sido prioritaria. En éstos tiempos difíciles, junto a mi equipo y clientes, han surgido oportunidades desde la composición y la pedagogía para crear desde la emoción de lo vivido, lo pensado y lo aún no dicho: la ventaja de la música es que muchas veces no necesita palabras (para esas emociones que no caben en ellas) y que existen tantas técnicas (para un estudioso) que hemos aprovechado de trabajar desde la emoción con perspectivas nuevas. En aquel ejercicio me vi también haciendo un arreglo para piano (el últimno post) y componiendo mi primer collage utilizando técnicas electrónicas (lo pueden encontrar en IG) de síntesis modular, así como granular quadimensional. Creo que es importante que como cultura no olvidemos que hay muchas formas de resistir. Y que siempre contamos con vías constructivas como el arte para expresar esa resistencia. Por último dejo la definición de la RAE de resistir, de la cual me gustaría extraer la N4 y compartir con uds la definición de la definición.resistir
Del lat. resistĕre.
1. tr. Tolerar, aguantar o sufrir.
2. tr. Combatir las pasiones, deseos, etc. U. t. c. prnl.
3. intr. Dicho de un cuerpo o de una fuerza: Oponerse a la acción o violencia de otra. U. t. c. tr. y c. prnl.
4. intr. Dicho de una persona o de un animal: pervivir.
5. intr. Dicho de una cosa: durar (‖ continuar sirviendo). Este coche todavía resiste.
Siempre quise aprender música de la forma más seria posible, pero también efectiva. Si bien estoy agradecido de cada profesor que estuvo ahí en el camino, fue en los últimos años cuando pude compartir con maestros de excelente calidad. Entonces comencé a aprender ciertas verdades que no sólo dependen de un maestro que te guía en la adquisición de una técnica excelente (tanto en el piano como la composición) sino que están ligadas a la psicología, espiritualidad y crecimiento personal.
La velocidad de aprendizaje de uno, tanto en el instrumento como en la composición/arreglos (através del uso constante de nuevas armonías, texturas, grooves-estilos, etc) no depende sólo de cuantos libros leas, cuantas clases tengas o lo excelente de tu maestro. Depende en mucho más que un 50% de cómo utilizas tu tiempo de estudio.
Hace poco leyendo encontré el concepto de las 4D, que por muchos años quise explicar pero no encontraba las palabras precisas, especialmente una definición precisa de disciplina que se relacionara a cómo uno ha de enfrentarse al estudio de la música si quieres lograr productividad. Por fin la he encontrado y las comparto con uds:
Deseo (no necesita mayor explicación) Decisión (tampoco) Determinación: Persistir frente a tentaciones (alimentada por el deseo) Disciplina: Voluntad de obligarte a hacer lo que sabes que debes hacer, cuando debes hacerlo, lo quieras o no.
¿Aplico las 4D a mi relación con la música? ¿Aplico las 4D a mi relación con mis anhelos y sueños? ¿La aplico con respecto a mis valores y la forma de relacionarme para-con los demás?
Todos nos hemos equivocado más de una vez en el camino, pero hay un punto en que se puede decidir hacer todo lo posible para hacer las cosas bien. Recuerden que la utilización de éste conocimiento sólo tiene valor si se despliega.
Mis mejores deseos a todos en su camino musical, como siempre, muchas gracias por leerme.
Estudiando encontré la siguiente cita, que me gustaría compartir:
"La vida del músico de blues de gira, observa Charles Keil, proporciona toda la soledad y celo que se necesita para cantar blues de manera auténtica. Se trata de un poderoso extracto de la vida moderna. La situación de grabación es un extracto mucho más poderoso y representativo aún. Las cabinas de vidrio y los parlantes que aíslan al músico del resto de sus compañeros, la abstracción del público; la sensación de estar produciendo un objeto y de estar manufacturando una mercancía, la deconstrucción del tiempo en tomas y su reconstrucción por medio de empalmes son poderosas metáforas de la vida moderna. Su reflejo en la experiencia del oyente son la soledad, el uso de la música como objeto y como mercancía, el colapso de la arquitectura pública del tiempo y la creación de un diseño temporal interior privado. En tanto contradicen todo lo que alguna vez significó hacer música, resultan paradojas."
Explicación desde la escala mayor:
Algunas personas explican las escalas como 2 tetradas. Asumiendo la distancia entre 1 2 3 4 como la primera tetrada y 5 6 7 8 como la segunda, cada una con sus relaciones interválicas, en el caso de la escala mayor sería
1 2M 2 2M 3 2m 4 2M 5 2M 6 2M 7 2m 8
que en el caso de Do mayor sería:
do 2M re 2M mi 2m fa 2M sol 2M la 2M si 2m do
Si lo pensamos desde el punto de vista planteado son 2 tétradas a distancia de x 2M x 2M x 2m x
Lidio:
Si analizamos la estructura de una escala lidia tendríamos
1 2M 2 2M 3 2M 4 2m 5 2M 6 2M 7 2m 8
que en el caso de Do Lidio sería:
do 2M re 2M mi 2M fa# 2m sol 2M la 2M si 2m do
resultando en 2 tétradas:
La primera: 1 2M 2 2M 3 2M 4
La segunda: 5 2M 6 2M 7 2m 8
El super hyper mega meta lidio:
La explicación del super hyper mega meta lidio: Tan simple como poner la primera tétrada del lidio, asumir que la 5ta nota estará a una 2da menor y volver a repetir la misma tétrada, generando una escala que escala sucesivamente en el mismo patrón:
do re mi fa# 2m sol la si do# 2m re mi fa# sol# 2m la si do# re# 2m etc
Notas:
Nota Crítica: Una de las cosas absurdas de la perspectiva escala = 2 tétradas es que al considerar 2 tétradas no se resalta lo suficiente la distancia entre la primera y la segunda tétrada (en caso de la escala mayor la distancia entre las notas 4 y 5, que son una 2M. y en el caso de lidio es una 2m).
Nota constructiva: Por otro lado, es importante recordar que las escalas son inútiles si no sabes como usarlas, puesto que la música es relacional: no se trata de las notas, sino de las relaciones entre ellas; y para esto no hay libro que ayude, la mejor guía es crear junto a un maestro que te guíe personalizadamente.
Quick explanation of the super hyper mega meta lydian
Explanation from the major scale:
Some people explain the scales as 2 tetrads. Assuming the distance between 1 2 3 4 as the first tetrad and 5 6 7 8 as the second one, each with its intervalic relationships, in the case of the major scale would be
1 2M 2 2M 3 2m 4 2M 5 2M 6 2M 7 2m 8
in the case of C major would be:
2M re 2M mi 2m fa 2M sol 2M 2M yes 2m do
If we think about it from that point of view, there are 2 distance tetrads of x 2M x 2M x 2m x
Lydian:
If we analyze the structure of a scale, we would have
1 2M 2 2M 3 2M 4 2m 5 2M 6 2M 7 2m 8
in the case of C lydian would be:
c 2M d 2M e 2M f # 2m g 2M 2M b 2m c
Producing 2 tetrads:
The first: 1 2M 2 2M 3 2M 4
The second: 5 2M 6 2M 7 2m 8
The super hyper mega meta lydian:
The explanation of the super hyper mega meta lydian: It is as simple as putting the first tetrad of the lydian, assuming that the 5th note will be a 2nd minor and repeating the same tetrad, generating a scale that is successively in the same pattern:
c d e f # 2m g a b c # 2m d e f # g # 2m a b c # d # 2m etc
Notes:
Critical Note: One of the absurd things of the scale = 2 tetrads perspective, refers to the distance between the first and second tetrads due to it is not sufficiently highlighted (in case of the larger scale the distance between notes 4 and 5 , which are a 2M. and in the case of lydian is a 2m).
Constructive note: On the other hand, it is important to remember that the scales are useless if you do not know how to use them, since the music is relational: it is not about the notes, but about the relationships between them; consequently there is no book to help you, the best guide is to create with a teacher to guide you personally.
1- Que un músico sea rápido o que toque cosas complejas no lo convierte en un buen profesor:
Un típico error es creer que por estudiar con X persona tocarás como esa persona. Es fácil confundirse y creo que es un factor importante a considerar, ya que no sólo sucede lo anteriormente expuesto sino que se descubre que muchos excelentes intérpretes usan la pedagogía como un medio de subsistencia sin tomar el peso al trabajo que conlleva guiar a un estudiante dándole los recursos adecuados, en los tiempos que corresponde a través de una planificación precisa y adaptada para las habilidades y potenciales desarrollos del aprendiz (e idealmente alineándose con sus objetivos: punto 3).
2- Pensar que porque una escuela tiene estudiantes "famosos" es buena:
En Chile, las escuelas de música mienten, el prestigio lo gana cada músico dependiendo no sólo de su trabajo musical sino de su habilidad en human networking (lobby), marketing, producción, etc. Todas las escuelas pueden vanagloriarse de los logros de sus estudiantes más conocidos: eso no significa que ellos hayan hecho algún esfuerzo extra para que sus estudiantes llegasen allí. Por otro lado la fama en si misma, no tiene nada que ver con el valor musical, la disciplina invertida en la música, el trabajo realizado y la calidad de éste. (ésta declaración da para otro post).
3- No investigar lo suficiente:
Para investigar debes tener claro lo que deseas: si deseas hacer música o si deseas hacer música y ganar dinero haciéndola.
Conociendo esa respuesta lo siguiente es comprender el paradigma de la música (cómo funciona, cuáles son los rubros, cuáles de ellos son remunerados y cuales son las posibilidades reales de trabajo). Luego de considerar eso el profesor o escuela siempre tiene una misión y visión (quienes son, de dónde vienen y hacia adonde van; quien no tenga esto claro como pedagogo no vale la pena), con eso en consideración puedes contrastar esa información con tus intereses y finalmente tomar una decisión responsable, informada y sobretodo que esté alineada con tu verdadero propósito musical.
ENG: 3 mistakes to avoid when choosing a teacher or institution
1- A musician who plays faster or someone who plays complex things does not make him a good teacher: A common mistake is to believe that by studying with a specific person will make you like him. It's easy to get confused and I think it is an important factor to consider because not only the things that I already mentioned happen but also you can discover that many excellent interpreters use the pedagogy as a means of subsistence avoiding the importance of this job, for instance, guiding a student by giving the appropriate resources in periods of time through precise and adapted planning for skills and also, potential the learner developments (and ideally aligning with their objectives: 3rd mistake). 2-Thinking that an institution has "famous" students is a good one: In Chile, music institutions lie, the prestige of each musician depends not only of their work but also on his ability in human networking (lobby), marketing, production, etc. All institutions can boast about the achievements of their best-known students: that does not mean that they have made some extra effort to get their students there. On the other hand, the fame itself has nothing related with the musical value, discipline invested in music, work done, and its quality. (This statement is for another post).
3- Lack of research:
To research you must be clear about what you want: if you want to make music or if you want to make music and earn money. Knowing that answer, the next step is to understand the music paradigm (how it works, which ones are your options, which of them are paid and what are the real possibilities to work). After considering those points, the teacher or school always has a mission and vision (who they are, where they come from and where they are going; who does not have this clear as a pedagogue is not worth it), with that you can compare and contrast the information with your own interests and finally make a responsible choice, informed and above all, that could be aligned with your true musical purpose.
¿Eres perfeccionista? ¿Autoexigente? ¿Conoces tus límites?
En éste espacio de tips para mis estudiantes, clientes y suscritos varios, normalmente doy tips apuntando a la productividad a partir de la acción, pero esta vez iré a lo contrario.
En una vida entera de trabajo incansable, dónde mientras más tiempo pasa el estudio y el talento se hacen más insuficientes he descubierto un secreto tremendo y que carga años de experiencia: está bien parar.
El límite: En mi experiencia he tenido la suerte de conocer y exceder mis límites, y creo que siempre es bueno saberlos. De esa manera puedes adquirir compromisos que podrás cumplir y rechazar en los que no alcanzarás a lograr el cometido de una forma óptima (esto abre a debate "qué es óptimo" y por otro lado, un tema que da para otro post: ¿Cómo decir que no?). Mis límites como compositor, sesionista de música popular en piano, arreglador, productor y co-compositor, y profesor han sido:
Composición: 200 canciones en 2 meses; 4 canciones en un día (a los 14 años)
En sesiones - grabaciones: grabar 12 temas en 2 horas (con banda) (2012)
En grabación de composiciones: grabar 16 temas en 3 horas. (el 2018)
En composición y producción: Dar cierre a una colaboración composicional y hacer el arreglo en el DAW-maqueta para 20 instrumentos aprox (incluidos 6 brass) en un día. (2018)
En arreglos y producción: hacer un arreglo de bigband con la grabación en vst en 2 días y Hacer 3 arreglos para cuartetos de cuerda y piano en una noche (en ambos casos la experiencia fue una locura y honestamente preferiría no repetirlo nuevamente). (2013 y 2018)
La cantidad no implica calidad; mi última obra para piano "Colores" me tomó prácticamente 6 meses escribir. El disco escamas me tomó 4 años, pero Seventh Gate lo compuse (las líneas e ideas principales) en 2 meses.
A sabiendas de mis límites prefiero tener 2 semanas para estudiar una sesión/evento. En el caso de las producciones y composiciones por encargo (o co-composiciones) entre 1 a 2 meses, pero eso es mi caso y creo que cada uno debe encontrar el balance entre lo que considera lo mínimo para entregar y el tiempo sano que tome realizarlo. Con respecto a mis propias composiciones hoy en día he acumulado tantas que para componerlas me tomo el tiempo que tenga que tomarme, y en la producción de éstas el límite es la fecha de lanzamiento. Volviendo a los límites en trabajos para-con otras personas: en muchos casos quedé con sensaciones de stress y otras emociones negativas que... mirándolo con retrospectiva no tiene ningún sentido cuando eliges hacer lo que te apasiona.
Por supuesto que éste texto está escrito a gente autoexigente, perfeccionista, que le encanta hacer bien las cosas y que de cierta forma, no puede evitarlo; ésta es la gente con que trabajo. Bajo ninguna circunstancia creo que la mediocridad lleve a alguna parte, si bien en el mundo que vivimos ser experto en algo no implica que te vaya bien, el desarrollo y despliegue de todas las habilidades que implican avanzar requieren disciplina y trabajo. Caer en el otro extremo es un problema que puede costarte muy caro si no sabes parar aunque sea unos minutos, un día, o lo que sea necesario.
La mesura me llegó como un rayo cuando empecé a tener serios problemas de salud. Cosa que no había sentido realmente desde la lesión que adquirí en mis viajes y que nunca me abandona. Desde distintos lados, estudios de emprendimiento, yoga, libros filosofía, amigos, etc. comprendí que la mesura es como el silencio de la música tradicional, sin respiro no hay canto, sin aire no hay vida. Si no sabes medir la mesura mi tip de hoy es búscala y sigue trabajando duro, avanzando constantemente, amando la música/producción o lo que sea que hagas, disfrútala al máximo. Tener esos pequeños respiros ayudan a recordar que somos unos """"afortunados"""" por poder darnos tiempo para hacer lo que nos apasiona.
Fotografía y Texto: Danilo Dawson
ENG: Tip: The importance of moderation in everything
In this section which is dedicated to my students, clients and several subscribers, I usually give tips, from the action, focused on productivity, but now, I will go to the opposite way.
In a lifetime of tireless work, as time goes by, the study and talent becomes more insufficient. For that, I have discovered a tremendous secret that carries years of experience: it is okay to stop.
The limit: In my experience, I have been lucky to know and exceed my limits because you can know them. Consequently, you can acquire commitments that you can fulfill and also reject in which you will not be able to achieve in an optimal way (but "what is optimal?", this topic could develop another post too: How to say not?). My limits as a composer, sessionist of pop music in piano, arranger, producer and co-composer, and teacher have been:
Composition: 200 songs in 2 months; 4 songs in one day (at the age of 14)
- In sessions - recordings: record 12 tracks in 2 hours (with band) (2012)
- In recording compositions: record 16 tracks in 3 hours. (2018)
- In composition and production: Close a compositional collaboration and make the arrangement in the DAW-model for 20 instruments approx (including 6 brass) in one day. (2018)
- In arrangements and production: make a bigband arrangement with the recording in vst in 2 days and make 3 arrangements for a string quartet and piano in one night (in both cases the experience was crazy and I would honestly prefer to not repeat it again). (2013 and 2018)
Quantity does not imply quality; My last piano work "Colors" took me almost 6 months to write. The disc called Escamas took me 4 years, but Seventh Gate composed it (the main lines and ideas) in 2 months.
According to my limits, I prefer to have 2 weeks to study a session / event. In case of productions and compositions (works made for hire) or co-compositions between 1 to 2 months, but that is my case and I believe that each one must find the balance between what he/she considers the minimum to deliver and the healthy time it takes do it. Regarding to my own compositions, nowadays, I have accumulated so many that to compose them I take the time I have to take, and in the production of these the limit is the release date. Returning to the limits in work for- other people: in many cases I felt stress and other negative emotions that ... looking back at it makes no sense when you choose to do what you are passionate about.
Just to be clear, this text is written to self-demanding, perfectionist people, who loves to do things well and who, in a certain way, cannot avoid it; these are the people I work with. Under no circumstances I believe that mediocrity leads anywhere, although in the world we live, to be an expert in something does not imply that you are doing well, furthermore, the development and deployment of all the skills that involve moving forward require discipline and work. On the other hand, moving on to the other extreme is could be a problem that can cost you a lot if you can't stop even a few minutes a day, or whatever it takes.
The moderation came to me like a lightning when I began to have serious health problems due to I had not really felt that since the injury that I acquired during my travels and that never leaves me. From different points of view, entrepreneurship studies, yoga, philosophy books, friends, etc. I understood that moderation is like the silence of traditional music, without breathing there is no singing, without air there is no life. If you don't know how to measure moderation, my tip today is to look for it and keep working hard, constantly moving forward, loving music / production or whatever you do, enjoy it. Having those little breaths help you to remember that we are "" "" lucky "" "to be able to give ourselves time to do what we are passionate about.
Importancia: Considéralos parte del instrumento; si no tienes la altura adecuada, todo el sistema va a estar mal y vas a terminar lesionado. Si tu profesor no te ha enseñado la postura ideal desde la columna de aire hasta la punta de los dedos entonces has elegido un mentor inadecuado.
¿Cuál elegir?: En Chile he comprado 4 pisos para piano / batería con distintas alturas para finalmente encontrar los 2 ideales para mi. Los 4 pisos iniciales, de un costo de 50000 pesos chilenos (100USD aprox) murieron entre 6 meses a 2 años, quedaron con la madera molida por dentro especialmente los que tenían el sistema de soporte conectado a la madera dependiendo de ella. Estos pianos también fueron vendidos con cierta urgencia en los distintos lugares donde fui a buscar ayuda; NO CONFÍEN, recuerden que a los vendedores les pagan por venta, lamentablemente en mi experiencia confirmé que a esas personas en particular no les interesó nunca que llevase algo de calidad (deben haber excepciones a la regla pero no fue mi caso). Finalmente busqué los mejores: para mi K&M no ha decepcionado ni un pixel; uno de los puntos más importantes que deben observar es que tienen el sistema de ajuste completamente metálico y no depende de ninguna pieza de metal. Tengo 2 pisos, uno llamado "piano bench" full ajustable a 200.000 pesos chilenos (400usd aprox) y uno con 4 medidas fijo que uso para los viajes que costó 50.000 pesos chilenos. Ambos tienen ya 4 y 2 años respectivamente y no he tenido absolutamente ningún problema con ellos, su sistema de control de altura es impecable y el confort es de primer nivel. Sé que las K&M full ajustables ya no llegan a Chile, pero sé que venden unas con el mismo sistema en PianoImport.
Ventajas: tiempo de vida superior a 2 años (en mi experiencia ya van 4 años)
Desventajas: Debes usar la llave para ajustar cada cierto tiempo, de lo contrario comienza a generar un sonido que ensucia las grabaciones. En los otros pisos esto sucede sin solución posible.
* El precio: Si piensas a corto plazo es una desventaja, pero así como comenté en "cómo elegir pianos eléctricos", elegir el correcto puede convertirse en un 800% de ahorro o más ya que si el producto va a durar 2 años eso implica un gasto futuro seguro.
La forma correcta de sentarse es muy importante no sólo para el piano sino para trabajar en producción frente al DAW. Por lo mismo debes considerar aprender a sentarte de la forma correcta si quieres dedicarte a tocar algún instrumento sentado y/o producir en un DAW o cualquier actividad seria y de largas horas frente a un escritorio.
Con respecto a las sillas para producción:
Importancia: Debido a mi lesión en ambos brazos (para quienes no lo saben los doctores me dijeron el 2013 que debido a la lesión en cada brazo no volvería a tocar piano otra vez, cosa que he podido hacer con la guía adecuada y a costa de trabajo intenso, constante, disciplinado y amoroso) para mi cualquier dolor creado por el mal sentar se acelera y multiplica. Por lo que resulta mucho más "fácil" encontrar los defectos de un asiento, piano bench o mesa para trabajar, incluso de lápices. Sin embargo, no fue hasta que mis brazos quedaron incapacitados por 2 semanas que decidí comprar un asiento ergonómico para el escritorio; no puedo negar que pensaba que era un malgasto de dinero, sin embargo, luego de investigar y adquirirlo debo aceptar que es una de las mejores adquisiciones en cuanto a la notable mejora en términos de salud y productividad.
¿Cuál elegir?: En Chile me encontré frente a las marcas típicas de cualquier lugar: ergonómicas de oficina y gamers. En mi caso, me incliné a las gamer, pues tenían la inclinación de brazos que yo necesitaba vs las de oficina. En cuanto a marcas me vi tentado a la hype del momento "Pegasus". Sin embargo busqué más opciones, fue entonces cuando encontré "Mundo Gaming" un sitio web donde uno de sus puntos más seductores era la atención vía wsp (cosa que con mi equipo utilizamos) y personalización de la atención. Acto seguido les escribí y fueron increíblemente amables y precisos. Incluso envié las medidas que yo requería para saber que modelo de silla servía para mis requerimientos de salud, no sólo respondieron a tiempo sino me enviaron múltiples imágenes con cada medida posible, y los modelos disponibles. Han de saber que hay distintos precios, y que normalmente las mejores están al rededor de 200.000 pesos chilenos (400 USD aprox), lo que sí les puedo asegurar es que si quieren asegurarse en cuanto a recibir una silla que cumpla con sus requerimientos (y que pueden comentarlos con la empresa en cuestión) el lugar indicado es "Mundo Gaming", que no sólo fueron amables online antes, durante y después de la compra, brindaron un excelente servicio en armado (cosa que para mi es imposible por mis lesiones) y entrega a domicilio.
Las cosas más importantes para un asiento para producir es el soporte a la espalda y a los brazos; la posición desde la escápula a la punta de los dedos debe ser la correcta. Si no sabe cual es recuerde que a agrandes rasgos (si quiere aprender de verdad, investigue con un experto) sentarse bien implica (entre otras cosas) que en los brazos exista un angulo muy levemente superior a los 45 grados, espalda recta, escapulas en posición e isquiones soportando el peso, así como la columna de aire y los abdominales, etc.
Ventajas: Adaptación en 360 grados, servicio al cliente y post venta de buen nivel.
Desventajas: Al igual que en los "piano bench" se genera ruido si no lo ajustas cada cierto tiempo (por eso debes tener la llave y ellos la facilitan). Para productores esto es clave puesto que grabamos un montón estando sentados y en casos de home studio el mic no está en una sala aparte sino cerca de la silla.
-------
texto y foto: Danilo Dawson
Tips to choose a chair for production and a piano bench
Regarding piano bench:
Importance: Consider them part of the instrument; If you do not have the right height, the whole system will be used in the wrong way and you will end up injured. If your teacher has not taught you the ideal posture from the air column to the fingertips, you have chosen an inappropriate mentor.
Which one?: In Chile, I have bought 4 piano bench/ drums with different heights to finally find the 2 ideal ones for me. The first 4 bench which cost 50,000 Chilean pesos (100USD approx) did not last more than 6 months to 2 years, the wood was grinded inside especially those that had the support system connected to the wood depending on it. These pianos were also sold with some urgency in the different places where I went to get help; DON'T TRUST THEM, remember that sellers are paid for sale a product. Unfortunately in my experience, I confirmed that these people, in particular, were never interested on advice me about quality (there should be exceptions but it was not my case). Finally, I looked for the best: for me K&M has not disappointed any pixel; One of the most important points you need to check is that they have a completely metallic adjustment system and it does not depend on any piece of wood. I have 2 piano benchs, one is called "piano bench" full adjustable which it cost 200,000 Chilean pesos (400usd approx) and another one with 4 fixed measures that I use for trips that cost 50,000 Chilean pesos. Both are already 4 and 2 years old respectively and I have not had any problem with them, their height control system is incredible and its comfort is indisputable. On the other hand, I know that full adjustable K&Ms is no longer available in Chile, but I know that this company, PianoImport, sells some with the same system.
https://www.pianosydecoimport.cl/
Advantages: it lasts more than 2 years (in my experience there have already been 4 years)
Disadvantages: You must use the key to sometimes adjust it, otherwise, it is going to generate a sound that makes the recordings unclear. Using other benchs, this happens without a possible solution.
* The price: If you think, in the short term, it is a disadvantage, but as I wrote on "how to choose electric pianos", choosing the right one can become 800% savings or more because if the product is going to last 2 years that implies a safe future expense.
The correct way to sit is very important not only for the piano but to work in production in front of the DAW. For this reason, you should consider for learning to sit in the right way if you want to dedicate to play some instrument which requires a seat and / or produce in a DAW or any serious activity which can take you more hours in front of a desk.
Regarding the chairs for production:
Importance: Due to my injury in both arms (for those who do not know, the doctors told me in 2013 that due to the injury in each arm, I would not play piano again, which I could do with the proper guide and intense, constant, disciplined and loving work) for me, any pain created by bad sitting accelerates and multiplies the same injury. So, it is much "easier" to find the disadvantages of a seat, piano bench or table to work, even pencils.
However, it was not until my arms were incapable for 2 weeks that I decided to buy an ergonomic desk seat; I cannot deny that I thought it was a waste of money, however, after researching and acquiring it, I must accept that it is one of the best acquisitions in terms of the remarkable improvement, health and productivity.
Which one ?: In Chile I found the typical brands of any place: office ergonomics and gamers. In my case, I focused on the gamers chairs because they had the arms inclination that I needed vs. the office ones. As for brands, I was interested in the hype of the moment "Pegasus". However I looked for more options, it was then that I found "Mundo Gaming" a website where one of its most seductive points was the attention via WhatsApp (which we used with my work team) and customers personalized attention. Then I texted them and they were incredibly kind and precise. I even sent the measures that I required to know which chair model was proper for my health requirements, what is more, they were not only answered in time but sent me multiple images with each possible measurement and also the available models. You should know that there are different prices and normally the best ones are around 200,000 Chilean pesos (400 USD approx), what I can assure you is that if you want to make sure that you receive a chair according to your requirements (and which you can discussed with the company) the indicated place is "Mundo Gaming", which were not only friendly online before, during and after the purchase, they provided excellent service in assembly (which is impossible for me because of my injuries) and home delivery.
The most important things for a seat to produce is the back support and the arms; The position from the scapula to the fingertips must be correct. If you do not know which one, remember that, as a general rule, (if you really want to learn, investigate with an expert) sitting well implies (among other things) that in the arms there is an angle very slightly higher than 45 degrees, straight back, scapulae in position and hamstrings supporting the weight, as well as the air column and the abdominals, etc.
Advantages: 360 degree adaptation, customer service and good level after sales.
Disadvantages: As in the "piano bench", the noise is generated if you do not normally adjust it (so you must have the key and they provide it). For producers, this is important since we recorded a lot while sitting and also in home studio the mic is not in a separate room but near the chair.
Éste post, a diferencia de los anteriores (dirigidos a mis estudiantes y clientes), está dirigido a mis colegas pedagogos - profesores.
Un colega especialista en niños necesidades educativas especiales me comentó una técnica que estaba estudiando que consistía en utilizar un tótem.
El tótem hablaría por el profesor cualquier cosa que podría entenderse como negativa o agresiva, de tal manera que en vez de llevar toda la energía 1:1 se haría un triángulo, dónde el objetivo podría decirle todo lo que siente o piensa al tótem mientras uno podía utilizar lo observado para poder mejorar la práctica pedagógica.
Es curioso que aunque yo sólo hago clases a mayores de edad, el uso de tótem se volvió una herramienta muy práctica EN ADULTOS. Pues con los años el autocontrol se vuelve parte de una habilidad de sobrevivencia, por lo tanto el aprendiz comúnmente oculta pensamientos o sentimientos con respecto a la práctica, desde el entender información hasta la frustración de no verla sucediendo en la interpretación del instrumento.
Los detalles técnicos de cómo cada profesor utilice el tótem es algo que depende netamente del plan de estudios y metodología elegidos, sin embargo me pareció adecuado dedicar este post al compartir éste conocimiento, que a más de algún pedagogo le será de utilidad.
ENG:
This post, different to the previous ones (for my students and clients), is focused to my
colleagues who are pedagogues – teachers.
A colleague who is specialist in children with special educational needs told me about a technique that she was studying, which is about of using a totem. The totem would speak for the teacher anything that could be understood as negative or aggressive, so that instead of focusing all the energy 1: 1, a triangle would be made where the target could tell everything he feels or thinks to the totem while the teacher uses that information to improve the pedagogical practice.
It is curious that although I only teach to +18, the use of totem became a very practical tool IN ADULTS. As over the years, self-control becomes part of a survival skill, therefore the student commonly hides thoughts or feelings regarding practice, from understanding information to the frustration related with the interpretation of the instrument.
The technical details regarding how each teacher uses the totem is something that depends clearly on the curriculum and methodology chosen, however it seemed appropriate to dedicate this post to share this knowledge, which will be useful to more than one teacher.
En producción con mis colegas siempre decimos "lo que pueda salir mal saldrá mal". Sin embargo es impresionante que no me dejo de sorprender con los accidentes que pueden suceder.
Si bien ya había ensayado para el 5to concierto, habían (y siempre hay) cosas que mejorar, esos pequeños detalles que los nerds amamos resolver aunque nadie los note. Dediqué incluso una clase de piano (si, sigo estudiando) completa para revisar el despliegue técnico correcto sobre mis acompañamientos en las canciones populares y otros detalles de mis piezas instrumentales. Un trabajo complejo, intenso y muy disciplinado.
Finalmente el mismo día del concierto, preparando las cosas un atril atrapa mi dedo indice izquierdo, el grito fue grande, el susto fue mayor: mi dedo no paraba de sangrar (los dedos sangran harto) y tenía un concierto en 4 horas. Rápidamente conseguimos los elementos adecuados como para desinfectar, anestesiar y vendar. Llegado el momento ni siquiera me vendé, toqué con el dedo dañado, incluso algunas teclas quedaron manchadas con sangre. No podría haber cancelado el concierto: "El show debe continuar", frase que escuché mil veces de mis maestros, pero aquel día me hizo más sentido que nunca.
El resultado del concierto fue bueno, si bien no lloró tanta gente como en el 4to, muchos me confesaron luego por interno que al salir del concierto y encontrarse solos estallaron en llanto. Ya que el repertorio que he compuesto está principalmente lleno de dolor, drama y tragedia lograr que los oyentes se emocionen son una buena señal.
Muchos me comentaron que se encontraron en más de alguna de mis canciones, y eso me hace sentir infinitamente agradecido por ser parte de su encuentro.
Nos vemos en el próximo concierto.
Saludos.
----
The concert # 5 - Preparation, Thoughts and conclusions.
In production with my colleagues we always say "anything that can go wrong will go wrong". However, it is impressive that I am not surprised by the accidents that can happen.
Although I had already rehearsed for the 5th concert, there were (always) things to improve,
those little details that the nerds love to solve even if nobody notices them. What’s more, I
took a piano class (yes, I am still studying) to check the correct technical display of my
accompaniments in popular songs and other details of my instrumental pieces. A complex,
intense and very disciplined work.
The day of the concert, preparing all my stuff, my left index finger was stuck by a lectern, I
screamed, it was so scary : my finger did not stop bleeding (fingers bleed a lot) and had a
concert in 4 hours. We quickly get the right elements to disinfect, anesthetize and bandage.
When the time came, I didn't even bandage myself, I played with my damaged finger, even
some keys were stained with blood. I could not have canceled the concert: "The show must
continue", a phrase I heard a thousand times from my teachers, but that day made more sense
than ever.
The concert was good, although not as many people cried as in the 4th, many people
confessed to me, in private, that when they left the concert and found themselves they burst
into tears. The repertoire I have composed is mainly full of pain, drama and tragedy, getting
listeners emotional is a good sign.
Many of them told me that they feel identified with more than one of my songs, and that
makes me feel infinitely grateful for being part of their experience.
“The music is a choreography” said the teacher who returned my hands after the doctors told me that I would never play piano again.
At that moment, I realized thar It is a lot what you have to go through, in several dimensions, to get up after jumping into the deep end. Internal work, mentality: tearing down fears and conquering shadows was part of the process.
To be honest, I was not a friend of dance, actually I do not dance. But I started looking at everything with a new perspective. If music is a choreography, then everything is more connected than I thought.
This thought was triggered by a carnival on Santiago, Chile were I saw several folkloric dancers.
ESP:
La música es una coreografía me dijo una vez la maestra que me devolvió las manos luego de que los doctores me dijesen que nunca volvería a tocar piano.
En ese momento me di cuenta que después de tocar fondo los trabajos son en varias dimensiones para levantarse. El trabajo interno, la mentalidad: derrumbar miedos y conquistar sombras era parte del proceso.
Para ser honesto hasta entonces no era amigo de la danza, hasta el día de hoy no bailo. Pero comencé a mirar todo con nuevos ojos. Si la música es una coreografía, entonces todo está más conectado de lo que pensaba.
Éste pensamiento apareció en un carnaval en Santiago (Celebración de la Independencia de Bolivia en Chile). Dónde pude observar a varios bailarines de folklore, en particular de música relacionada al carnaval de la tirana.
I thought about doing an essay, a reflection, or a serie of explanatory paragraphs.
But to innovate, I will make free phrases. The guiding thread of these phrases is not only the title "the rules and creativity" (although not all of them are about both) but they have been things that I have discovered practicing music and that all are true from this perspective.
1- Music is free and does not require rules
2 - The rules are to break them, so the more you study how they work the better you will know how to break them based on what you want to achieve.
3- Music is relational
4- A melody is made of intervals.
5- If you don't know history, the chances of making history will decrease
6- You are not inventing the wheel, that was Bach.
7- Creativity is essential for human life.
8- Life without music would be a mistake (Nietzche actually said this)
9- Any major chord can have an 11th: Thinking about a chord is a mistake: music is both horizontal and vertical.
10- Schools lie
11- If you study music you study the rules, how to respect and deploy them and then do what you want consistently
12- Not studying music or its rules does not imply drifting
13- Studying music and knowing how to use the rules does not mean that you know how to interpret or compose.
14- Generally what you think matters, nobody cares
15- The musical expression overcomes prejudices, unless they are subject to what articulates us as human beings.
16- It's not about what it sounds like, it's what it means.
Pensé en hacer un ensayo, una reflexión, o una serie de párrafos explicativos.
Pero para innovar, haré frases libres. El hilo conductor de éstas frases no es sólo el título "las reglas y la creatividad" (aunque no todas se tratan de ambos) sino que han sido cosas que he descubierto practicando música y que todas son ciertas desde ésta perspectiva.
1- La música es libre y no requiere reglas
2- Las reglas son para romperlas, entonces mientras más estudies cómo funcionan mejor sabrás como romperlas en función a lo que quieras lograr.
3- La música es relacional
4- Una melodía está hecha de intervalos.
5- Si no sabes historia, las posibilidades de hacer historia disminuyen
6- No estás inventando la rueda, ese fue Bach.
7- La creatividad es esencial para la vida humana.
8- La vida sin música sería un error (esto en realidad lo dijo Nietzche)
9- Todos los acordes mayores pueden tener 11na: Pensar en un acorde es un error: la música es tanto horizontal como vertical.
10- Las escuelas mienten
11- Si estudias música estudias las reglas, cómo respetarlas y desplegarlas para luego hacer lo que se te de la gana de forma consistente
12- No estudiar música ni sus reglas no implica ir a la deriva
13- Estudiar música y saber usar las reglas no significa que sepas interpretar o componer.
14- Generalmente lo que crees que importa, a nadie le importa
15- La expresión musical sobrepasa los prejuicios, a menos que estén sujetos a lo que nos articula como seres humanos.
16- No se trata de lo que suena, es lo que significa.
Intro: La productividad es clave. No importa si crees que sentarte a estudiar piano por 2 horas es estudiar: NO LO ES.
Estudiar implica un avance, nada te asegura que sentarte a tocar los
ejercicios lo implique. Por lo tanto, debes saber que hacer, para
utilizar de forma productiva ese tiempo.
1) Piensa antes de tocar. Usa el conocimiento que estás adquiriendo,
comprende la métrica, el ritmo, la tonalidad, la textura, melodías,
armonía, y forma. Visualiza la pieza en tu cabeza musicalmente, luego en
el instrumento. No es necesario tocar, primero debes tener claras las
ideas. Usar lo que sabes es un boost en tu productividad.
2) En mi experiencia, al menos leer la pieza una vez a un tempo extremadamente lento, sin cometer errores, siempre es bueno.
3) Divide y conquista: Separa por frases, secciones,
mientras más rompas la pieza en pequeños problemas, y los soluciones de
a uno, más productivo será tu tiempo.
4) Conecta las secciones solucionadas, conéctalas
hacia atrás (con las frases o secciones anteriores), siempre a un tempo
extremadamente lento.
5) No te confíes, tocar una vez algo bien no
significa que tu cuerpo lo haya aprendido, tócalo hasta tener esa
certeza. No absorberlo implica el riesgo de equivocarte, una vez que te
equivocas varias veces el cuerpo se aprende el error reproduciéndolo
siempre. *Es natural equivocarse en una interpretación real (en vivo),
pero (en el estudio) tocar la nota (o ritmo) incorrecta(o) porque no
supiste cual era la correcta es inaceptable. (lo mismo se aplica para
los matices y articulaciones)
6) No pierdas tiempo tocando secciones ya superadas.
Si tu enfoque es productividad en el tiempo, entonces podrás esperar a
tener la pieza dominada antes de disfrutarla. Si quieres ser
técnicamente productivo estudiar suele aburrido, tedioso y muchas veces
frustrante, que no te sorprendan esas emociones: domínate y domina la pieza antes de que la frustración te domine.
Es muy normal sorprender(se) estudiando desde secciones superadas tan
sólo para tener un gusto de lo lindo o bien que suena esa sección antes
del caos; lamentablemente si tu enfoque es solucionar problemas
productivamente: debes evitarlo, enfocarte en solucionar los problemas
lentamente y conectarlos con las secciones consecutivas hasta dominar
toda la pieza.
Desarrollando un poco más éste punto: Aprende a comenzar el estudio
desde las secciones y frases que analizaste (es distinto saberlo a
través del análisis que estudiarlo desde distintos puntos).
7) BONUS: una vez dominada la pieza en términos de memoria muscular a un tempo extremadamente lento, disfrútala, cántala, comienza a interpretarla: date el gusto, te lo ganaste.
En que consiste un arreglo musical?
No hay preguntas tontas, y en especial, una tan importante como ésta
La definición:
En palabras simples (y en mi experiencia) un arreglo es el proceso
que nos lleva a una versión oficial de una composición. En particular
puedo hablar de las canciones pues, he re-arreglado muchas mas canciones
que piezas instrumentales.
Los arreglos pueden aparecer después de la composición, tanto desde
el mismo compositor, o un arreglador, o un productor (en el caso de la
música popular). Sin embargo, aveces aparecen en la imaginación del
compositor como parte de la composición misma; aún así puede que el
arreglo original no sea el final; esto normalmente es algo que decide el
productor o sello.
La filosofía:
Creo fervientemente que la experiencia musical, tanto creativa como
interpretativa, es un factor de suma importancia a la hora de hablar de
arreglos. Las decisiones técnico-musicales que se toman son subjetivas,
por lo que el lugar más apropiado desde el cual puedo hablar es desde la
experiencia y visión de la música. Por lo mismo, posiblemente lo que
exprese a continuación no se condiga con lo que otros profesionales
piensen; no es para nada mi intención negar la validez de pensamientos
distintos, por lo que (con todo respeto) plantearé lo que yo creo y hago
en términos musicales con respecto a los arreglos.
Se han de tener en consideración 2 cosas para alinearse con mi postura:
-La música para mi es TODO.
-Por lo tanto: me tomo la música, su estudio y su aplicación con
absoluta seriedad. Sin embargo no veo la música como sólo un despliegue
técnico. Como "bellas artes" la música implica un depósito de
sentimientos, valores o ideas.
Como compositor independiente, mi filosofía con respecto a la
elección a las herramientas a utilizar para arreglar una canción se basa
en la honestidad con respecto a la imaginación musical o "voz interna".
Creo que mientras más se alinea el arreglo con el oído interno y se es
consistente con la herramientas que emanan de éste, más sólido es.
La consistencia es clave, por lo que el balance entre la técnica, el
conocimiento y la capacidad de hacer música identificando en cada lugar
como ser consistente es parte de lo que se espera de un profesional de
la música.
Como compositor por encargo y arreglador, creo que es fundamental
conocer el estilo a trabajar, su estética, reglas (que en realidad
vienen del mismo estilo) y sus límites. Con esto en mente uno puede
aportar, tanto limitandose a respetar la escuela "tradicional" del
estilo como a romper las reglas. Mi postura en general es respetar los
estilos cuando se me solicita un trabajo "en estilo". Hay músicos que
dedican toda su vida a dominar un "lenguaje" musical en particular (así
se le llama en español cuando un músico estudia la estética y ejecución
de un estilo en particular), por lo tanto para mi es una señal de
respeto a años de trabajo, no sólo de uno sino de cientos de músicos que
crearon, estudian, interpretan y conservan los estilos; es cierto que
hay otros que llevan los estilos mas allá, dándole un camino nuevo, sin
embargo mi elección es tratar de adaptarme a las necesidades del cliente
más que a mi ideología (para eso tengo mi propio espacio como
compositor y arreglador)
El despliegue:
Tal y como mencioné anteriormente, la mejor forma de poder exponer en
qué consiste decidir los elementos de un arreglo es compartiendo parte
de mi proceso. Si bien, los arreglos musicales son una temática que se
estudia, se puede estudiar toda una vida la técnica, pero es el
despliegue de ésta, las decisiones subjetivas lo que realmente nos
permite aprender como músicos y también (por supuesto) crear la música
misma en un formato oficial.
Por lo mismo, para compartir decisiones y filosofías al respecto,
planeo publicar próximamente algunos de mis procesos en términos de
arreglos en mis composiciones.
Blogueando y Vlogeando entré en el ejercicio de revivir este blog y de paso activar un Wordpress para quienes prefieren ese medio.
Redescubrí, entre otras cosas, que solía compartir citas de autores que me hacían sentido, poemas y también (de vez en cuando) una lista de 10 temas, canciones o discos que estuviesen en "mi paradero". Me dió nostalgia y felicidad recordar esos discos y darme cuenta cuánto han afectado a mi trabajo (en todas sus zonas) actualmente; por lo mismo, acá van mis 10 de los últimos meses.
1.- Monster - Dodie
2.- When you are ugly - Louis Cole
3.- A veces - Ana Tijoux
4.- 1977 - Ana Tijoux
5.- Velours - Anomalie
6.- New Light - John Mayer
7.- South of the River - Tom Misch
8.- Alas de Luna - Fede Fontenla
9.- Nihls Fram - Ambre
10.- In the Nature of Daylight - Richter
Redescubrir el trabajo Anita y darme cuenta que antes de que el Laidback sonara en la música de Collier y Anomalie, ella ya en el 2011 estaba superponiendo subdivisiones de 5 y 7 en 2 y 4 fue realmente hermoso.
Por otro lado, descubrir a Tom Misch fue maravilloso, si las bendiciones existen, de seguro su música es una.
Mi experiencia con interfaces de audio es bastante acotada, sin embargo creo que puede ser de utilidad para mi clientes. NOTA: Al final del post dejaré un apartado con el significado de algunas palabras técnicas para quienes aún no saben que significan NOTA2: Este blog está complementado por un vlog que puede ver aquí:
Las interfaces, sus historias, mis impresiones:
He utilizado 4 interfaces durante mi experiencia, desde que soy estudiante hasta el día de hoy. Iré mencionando una a una la interfaz, mi experiencia y algunos Pros y Contras.
1- Mi primera interfaz: M-Audio DAC
Historia: Llegué a esta interfaz desde el presupuesto, la verdad: necesitaba una interfaz para eliminar la latencia* entre el controlador midi y mi computador. La usé por 4 años y medio
Descripción rápida: Ésta interfaz USB tiene 1 entrada JACK 1/4 o también llamada PLUG o "Línea"* y una salida de miniplug (salida de audífonos). Link de referencia: https://www.m-audio.com/produc...
Nota de software: Para reducir la latencia fue útil pero fue necesario utilizar el ASIO4ALL* en Windows.
Para micrófonos: La grabación de micrófono es complicada ya que necesitarás un cable de XLR o CANON* a JACK1/4 lo cual es una muy mala idea pues de esa manera el control de intensidad (dB) es imposible, pasando de muy poco a muchísimo, haciendo muy posible el acople. Yo probé enviar el XLR del mic a una Mesa de sonido pequeña* y desde ahí enviar una señal por un JACK1/4 a la entrada de la interfaz, logrando baja de calidad e interferencias.
Para grabar instrumentos (como un bajo): funciona bastante bien.
Como funciona la salida: enviando un cable de miniplug a 2RCA hacia un equipo de música lo hacía.
PROS Y CONS:
Pro: es pequeña y liviana; funciona casi al límite del mínimo aceptable, destacando el "funciona". Ideal para el estudiante con extremadamente poco presupuesto.
Cons: Pésima calidad en general, grabación de micrófono complicada (lo cual es evidente si piensas que no fue hecha para eso) y problemas de polifonía* a la hora de usar VSTi. 2- Presonus AUDIOBOX
Historia: Llegué a la Audiobox en una situacióin similar, bajo presupuesto (pero no tan bajo como la primera interfaz), cero conocimiento y la necesidad de tener algo urgente para lograr tanto conciertos en vivo usando controlador midi + computador y a la vez que sirviera para grabar con un micrófono para XLR y soportara bien mis VSTi para trabajos de composición. La usé por 4 años
Descripción rápida: Ésta interfaz FIREWIRE tiene 2 entradas híbridas (tanto JACK1/4 como XLR) y 2 salidas de línea (Jack 1/4); 2 salidas Jack1/4, una de audífonos (que creo que duplicada la señal stereo de salida) y entrada y salida MIDI. Link de referencia https://www.presonus.com/produ...
Nota de software: Para reducir la latencia fue útil pero fue necesario utilizar el ASIO4ALL* en Windows (generando problemas de polifonía), en Linux no hubo problema, en Mac funciona excelente.
Para grabar: La grabación de micrófono y línea es del mínimo esperable para un estudiante. Hoy en día (observando la experiencia de colegas) es la Scarlett de Focusrite la que ocupa su lugar en el mercado.
Como funciona la salida: La usé para en vivo a partir de Jack 1/4 (plug-plug), para trabajar con audifonos y aveces la conectaba a un equipo de música con un cable 2rca-2rca con adaptadores RCA a PLUG en un extremo.
PROS Y CONS:
Pro: Pequeña, liviana, funcional; ideal para estudiante; lo mejor de ella fue la versatilidad pues al ser liviana es facil de llevar y montar en conciertos. En OSX 10.7 (Mac) funciona a la perfección sin drivers requeridos.
Cons: La tecnología que transforma el sonido a digital (llamado conversor AD/DA) es de nivel bajo comparado a las profesionales de alta gama. En mi experiencia no funciona bien con windows, lo cual me puso en aprietos varios años. 3- MBOX PRO 3 (Avid)
Historia: Mbox 3 fue mi primera interfaz de gama alta, viajando por el mundo. Robusta y potente la utilicé para grabar audio, midi, voces e instrumentos, muchas veces todos a la vez. Su AD/DA es impresionante y tiene entrada MIDI dedicada (lo cual para mi siempre fue de utilidad). Sólo la usé en OSX (Mac). La usé por 4 años; ésta interfaz coexistió con la presonus, la cual seguía usando en vivo mientras usaba la MBOX para grabaciones.
Descripción rápida: Ésta interfaz FIREWIRE es 8x8 (4 híbridas, es decir tanto JACK1/4 como XLR) que en realidad es 6x6 puesto que usa 2 SPDIF in y out (que nunca usé ni supe usar). La salida de Audifonos es aparte de las normales y utiliza software para configurarlo. Con respecto al uso MIDI tiene entrada y salida MIDI que está incluida en un cable especial con otras entradas y salidas (para mi son importantes puesto que suelo usar un controlador MIDI por usb directo al computador y otro por MIDI a la interfaz). Link de referencia http://avid.force.com/pkb/arti...
Nota de software: Tiene su propio software, nunca lo dominé y lo encontré poco intuitivo, pero al estudiarlo lo usé bien, es cosa de estudiarlo y tener siempre claro como funciona.
Para grabar: Tal y como expliqué en la historia, la utilicé de todas las formas posibles (Excepto las SPDIF) y siempre respondió bien.
Para tocar en vivo: La configuración y ruteos de los phones fue poco intuitiva pero posible (para escuchar una señal distinta por los audífonos); aún así excelente
PROS Y CONS:
Pro: Calidad profesional, especial si quieres estar listo para todo y aún así tener algo portable; lo mejor de todo es su convertor AD/DA (y no sé porqué pero en protools suena increíble). Sólo la probé en OSX10.7 (Mac); los drivers funcionaron a la perfección. Robusta y resistente.
Cons: Bastante pesada (aún así vale la pena y es transportable). El conector externo que permite la conexión midi hace el proceso de montaje bastante más engorroso, pero vale la pena si vas a utilizarla con todas sus salidas y entradas. Incluso la usé para hacer sonar otros instrumentos através de mi DAW. 4- Saffire 26 (Focusrite)
Historia: El 2016 me robaron todos los equipos, entre ellas mi mbox. Por lo que desesperadamente busqué adquirir algo con 4 entradas híbridas, que respondiese bien pero a un costo medio (por asuntos de presupuesto). He usado la saffire durante un poco más de 2 años y en la práctica dónde más he usado sus características han sido:
1) en la radio, pasando guitarra, batería, 2 voces (coros) y voz principal además de mis VSTi (con la ayuda de una pequeña mesa también para poder entrar más señales de mic) y funcionó bien (al límite, pero bien)
2) con Árbol Mecánico, mi banda de rock, pasando todas las señales, pistas, vsi en vivo, avisos en in ear, y la mezcla entera desde Ableton Live (DAW) tanto de los instrumentos de FOH (Front of the House; refiriéndome a los parlantes que suenan para el público) así como los monitores que iban a un amplificador de audífonos, lamentablemente en cuanto a audífonos tiene un defecto TREMENDO.
Descripción rápida: Ésta interfaz FIREWIRE es 8x8 (4 híbridas, es decir tanto JACK1/4 como XLR) que en realidad es 6x6 puesto que usa 2 SPDIF in y out (que nunca usé ni supe usar). Utiliza software para configurar las rutas de entrada y salida. La trampa es que salida de Audifonos no es aparte de las normales, sino que DUPLICA la señal de 1/2 3/4 o 5/6. ésto quiere decir que en la práctica si quieres escuchar una señal distinta en tus audífonos, como el click, o avisos, pierder la salida 1/2, 3/4 o 5/6 haciendo que cada señal para audífonos te cueste 2 salidas oficiales. Con respecto al uso MIDI tiene entrada MIDI. Link de referencia https://www.intermusic-pro.com... (focusrite sacó ésta línea de su página).
Nota de software: Tiene su propio software, nunca lo dominé y lo encontré poco intuitivo, pero al estudiarlo lo usé bien, es cosa de estudiarlo y tener siempre claro como funciona.
Para grabar: He usado todas sus entradas y salidas (Excepto las SPDIF) de formas tradicionales y atípicas (con mesa de sonido para meter mas mics) y funcionó, pero nunca con la conversión de la MBOX.
Para tocar en vivo: La configuración y ruteos de los phones fue poco intuitiva (un poco más que la MBOX) pero posible (para escuchar una señal distinta por los audífonos); aún así cumple con lo mínimo para usos profesionales.
PROS Y CONS:
Pro: Relación precio calidad, y sigue siendo transportable (bastante más liviana que la Mbox). No necesita fuente de poder externa, se alimenta directamente desde el computador.
Cons: No tiene salidas XLR (ésto se aplica a todas las anteriores, sin embargo es en esta etapa en la que uso monitores de estudio y me encantaría probar salidas XLR). Lejos el peor contra es que en realidad no es 6x6 sino que al usar audifonos se vuelve 4x6 y si usas 2 audifonos es 2x6; lo cual es terrible cuando no es exactamente lo que piensas cuando te dicen que es 8x8 (osea, 6x6 pq los SPDIF no los uso) con 2 salidas de audifonos; es natural pensar que esos audifonos son salidas aparte, pero no lo son. A diferencia de la Mbox aveces, cuando hay interferencia se nota mucho más: ejemplo práctico. Para presentaciones en vivo: al enchufar el MAC+MBOX3 a un lugar con conexión deficiente y saliendo por JACK1/4 no había ruido, pero en la misma situación con Focusrite, hay bastante ruido.
----------------
Esta es mi experiencia con interfaces; espero que sea de utilidad para el lector, también creé un video en el cual comento mi experiencia y te recomiendo verlo y comentar si es que te ha ayudado mi experiencia:
www.youtube.com/watch?v=oDlcD8utfHc
Saludos
Danilo Dawson
---------------
* Imágenes y utilidades de algunas Palabras Técnicas que pueden surgir a lo largo de la lectura o al ver el video (las siguientes imágenes fueron sacadas de Wikipedia):
** He evitado palabras como Controlador Midi o DAW puesto que está explicado en los posts anteriores. JACK 1/4 o Línea o Plug: Utilizada normalmente para enviar/recibir señales de audio de bajos o teclados. En realidad existen una infinidad de instrumentos que envían su señal por JACK1/4. Es una señal desbalanceada y suele adquirir ruido al usarse un cable largo, hacer una bobina con él (dejarlo enrollado cuando está conectado) o pasar por otros aparatos electrónicos. Cuando se amplifica desde algunos instrumentos ha de conectarse a una Línea Directa (otro objeto electrónico) para balancear la señal y enviarla a la mesa.
Nota: En mi experiencia con Cables de línea siempre he usado cables Mono https://es.wikipedia.org/wiki/...
XLR o CANON: Señal Balanceada, utilizada tradicionalmente para micrófonos. Es capaz de mover +24V (También llamada PHANTOM o PHANTOM POWER); Energía necesaria para alimentar algunos micrófonos que necesitan ese voltaje para funcionar. https://es.wikipedia.org/wiki/...
