April 2019: Ingredients to make an album part 2: An album in my experience.

For me, an album is a composition (it doesn’t matter if it's made with 4 or 12 songs) which
involves an impressive amount of work. Today, I’m going to talk about my experience from the
creation to the production.

Concept - Composition - Album

My beginning, as composer, was extremely connected with a challenge (the first one being a
university student) which was to relate in one concept 300 songs that I had written. There were
many reflections years that helped me to develop my first album concepts, which were
completely different in comparison with my first songs. In addition, I think that an album needs
to be created with a concept that unifies it, due to it’s not just an idea that emerged without any
kind of creative process, moreover, many producers and other composers think similar as I do.
The relationship can go either way: If you have many songs, Which ones make sense regarding
the concept?, or on the other hand, having the concept What factors, perspectives, stories,
and in what way do I want to tell stories around a concept?. My first official record was born
thanks to a text by Oscar Wilde, which became a Cantata. What’s more, I added 3 extra tracks
due to the sound that I discovered in the 6 months that it took me to compose it.
Nowadays, I’m still having a concept in each album that I’ve published. On the other hand, I
also have unpublished compilations, which I hope to produce and publish at some point, of
compositions from my adolescence (project that I've been postponed for years) or why not my
new ones.

Style Consistency

Another important topic is the consistency of the musical language (texture, harmony /
counterpoint, groove, melody, etc.) and lyric (themes and ways of narrating the theme both in
words and in their form). I don’t know if it’s so important to have repetitive thematics (In fact, I
have them, but I want to escape from them); however, I know that it is vital in the composition,
both formal and informal, to be consistent with the tools used. This topic, in my musical
practice is a mixture of instinct and knowledge. The first albums until “Semilla” (with Árbol
Mecánico) were 100% instinct, in spite of keeping me studying the composition of songs, for
me, it was a transcription of my imagination. Today however, I am able to have an idea and
then resort it and color it, trying not to distort its original emotion. This is something that took
me many years and today, help me a lot when I work as composer for other people, as well as
producer and guide (in pedagogy) for composers who are my students.

I must also say that today I keep making 100% instinctive songs translating the emotion and
sound that comes from direct inspiration to the instrument. I think it's healthy to keep knowing
clearly, sensibly and tranquilly according to the distance between the instinctive and what
knowledge requires (I don’t believe in the composition from the knowledge and anything else,
for me, the composition must have been visceral, organic, emotional or spiritual, that is to say:
it must have essence or "aura").

The Time

Composing a record of songs has taken me, at least, 6 months; this is not a standard, and in
my experience, it is related with making demos of the arrangements, ideas of production, etc.
In general, I take the time I need to compose my works because one of the advantages of
being independent is that you don’t have anyone pushing you, for example: my last piano
composition took me 4 months, working 6 hours per week. In addition, there are some video
games discs that I’ve finished in 2 or 4 months and also, music for short films that have taken
me 2 weeks or even 2 days. For my last order of videogames music, I composed 2 orchestral
pieces + electronic music in 1 day (it was an effort that I hope to not do it again in my life).
One important factor: Balance the internal external pressure with mental peace, humility and
clarity. (This is something to work deeply with a teacher through practice).

The importance of technique

The instrumental technique is vital, I've written it before and I think it deserves to go deeply in
the future. If you don’t have technique in your instrument you’ll always be limited.
The technique in the composition may be similar, but it requires humility to accept it. I’ve met
different types of composers, many of them study a lot, and at the same time there are many
who don’t do that. Most of them study consciously or unconsciously. Moreover, I’ve seen many
composers who think that "they don’t need to know".
In my case, I think it’s completely necessary to have the technique in composition because it
saves time on writing, producing and directing. Not only yours, but it helps you to speak a
language with as much clarity as if you were the surgeon in an operating room. Do you want to
take advantage of your time? study composition and learn technique.
I don’t believe in composition without inspiration, so it doesn’t affect me in terms of the time it
takes me to make an album, but it’s completely different when I’m working for others.
Another advantage of knowing technique is that music becomes a plastic language where you
can see yourself-find yourself, but it can also help others to see themselves without losing
yourself) or developing music that represents ideas for others with all their requirements
(directors of videogames, shorts movies or movies).

The order of events

Compose songs (all of the album or more than that to be able to select)
Select songs (if it’s necessary, around the concept)
Arrangements / Production: This is often connected with composition, although it is not always
the case. In addition, it’s usually composed with voice + harmonic instrument (guitar, piano,
It is always good to produce professionally.
Recording/ Production are required when it needs to record with interpreters. Depending on
the instruments, it can be recorded in home studio or even more, in a big studio. Besides,
according to the concept, you may need to record in one shot all the instruments or separately.
Remember that the recording quality is vital for your production
Mix / Master: Vital and generally unknown work. Whoever does it must know how to do it.

According to albums, in spite of the fact that I have 7 albums, I’ve also worked in production,
co-composition and re-arranging songs. From the point of view of the production, it’s essential
to inquire with the "artist" his needs such as, aesthetic tastes and personality, in order to align
the production with his own concept. Although there are many producers, you must find the
one that aligns with your needs and aesthetic taste, because, if you have the same opinion
regarding the concept of “album”, it’s a work that must represent what exists in the essence of
your compositions.

When I started in music approaching to the professional world, I didn’t find this information
anywhere, and those who had it never share that kind of knowledge with me, so I hope, with
much love, that this information will be useful for you.

Text and Photography: Danilo Dawson
Experience his composition at www.youtube.com/danilodawsonvideos

Un álbum en mi experiencia.

Para mí, un álbum es una composición (no importa si son 4 o 12 canciones).E implica una cantidad de trabajo impresionante: hoy comentaré mi experiencia desde la creación hasta la producción.

Concepto - Composición - Álbum

Como compositor (cuando comencé), mi primer desafío (cuando entré a la universidad) fue encontrarme con 300 canciones y nada que las hilara; fueron años de reflexión los que me ayudaron a darle forma a mis primeros conceptos de álbumes (que nada tienen que ver con mis primeras canciones). Yo creo que un álbum va de la mano con un concepto que lo unifique, y no es una idea que nació de la nada,
muchos productores y otros compositores piensan similar.

La relación puede ir hacia ambos lados: Si tienes muchas canciones ¿Cuáles tienen sentido con respecto al concepto?, o por otro lado, teniendo el concepto ¿Qué factores, perspectivas, historias, y de que forma quiero contar historias alrededor de un concepto? mi primer disco oficial nació gracias a un texto de Oscar Wilde, el cual se convirtió en cantata, y con el sonido que fui descubriendo en los 6 meses que me tomó componerlo agregué 3 extra tracks.

En general, desde entonces trabajo sobre un concepto y hasta ahora todos los discos que he publicado tienen uno. Por otro lado, también tengo recopilaciones sin publicar (que espero producir y publicar en algún momento) de composiciones de mi adolescencia (proyecto que llevo años postergando) o mis nuevas composiciones.

Consistencia Estilística

Otro tema importante es la consistencia del lengüaje musical (textura, armonía/contrapunto, groove, melodía, etc) y lírico (temáticas y formas de narrar la temática tanto en palabras como en su forma). No sé si es tan importante tener temáticas repetitivas (yo las tengo, pero quiero escapar de ellas); sin embargo sé que es vital en la composición tanto formal como informal ser consistente en las herramientas utilizadas. Esto en mi práctica musical es una mezcla de instinto y conocimiento. Los primeros álbumes hasta Semilla (con Árbol Mecánico) fueron 100% instinto, a pesar de mantenerme estudiando la composición era para mi una transcripción de mi imaginación. Hoy sin embargo, soy capaz de tener una idea y luego recurrir a ella y colorearla, tratando de no distorsionar su emoción original, esto es algo que me tomó muchos años y que hoy me sirve muchísimo como compositor por encargo así como productor y guía (en la pedagogía) de compositores que estudian conmigo.

Debo decir además, que hoy en día sigo haciendo canciones 100% instintivas traduciendo la emoción y el sonido que viene de la inspiración directo al instrumento. Creo que es saludable mantenerse conociendo con claridad, sensatez y tranquilidad la distancia entre lo instintivo y lo que requiere el conocimiento (yo no creo en la composición desde el saber y nada más; para mi la composición debe tener material visceral, orgánico, emotivo o espiritual, es decir: debe tener esencia o "aura").

El tiempo

Componer un disco de canciones me ha tomado en el menor de los casos 6 meses; esto no es un standard, y en mi experiencia va de la mano con hacer demos de los arreglos, ideas de producción etc. En general me tomo el tiempo que necesite para componer mis trabajos porque una de las ventajas de ser independiente es que no tienes a nadie presionándote al respecto (sin ir mas lejos mi última composición para Piano me tomó 4 meses de trabajo, trabajando un total de 6 horas por semana). Hay discos para videojuegos que he hecho en 2 o 4 meses e incluso música para cortos que me han tomado 2 semanas o incluso 2 días. Para mi último encargo de videojuegos compuse 2 obras orquestales+electrónica en 1 día (es un esfuerzo que espero no tener que hacer otra vez en mi vida).

Un factor importante: Balancea la presión externa interna con paz mental, humildad y claridad. (esto es algo a trabajar profundamente con un maestro através de la práctica).

La importancia de la técnica

La técnica instrumental es vital, lo he escrito antes y creo que merece profundización a futuro. Si no tienes técnica en tu instrumento siempre te verás limitado.
La técnica en la composición puede ser similar, pero requiere humildad aceptarlo. Conozco distintos tipos de compositores, muchos estudian, muchos no, la mayoría estudia (consciente o inconscientemente). He visto a varios perderse pensando que "no necesitan saber"; yo creo que no está demás, especialmente pq la técnica en la composición ahorra tiempo a la hora de escribir partituras, producir y dirigir. No sólo el tuyo, sino que te ayuda a hablar un lengüaje con tanta claridad como si fueses el médico cirujano en un quirófano. ¿Quieres aprovechar bien tu tiempo? estudia composición, aprende técnica.

Como yo no creo en la composición sin inspiración a mi no me afecta en cuanto al tiempo que me demoro en hacer un disco, pero es un tiempo completamente distinto cuando estoy en función de un trabajo para otros. Otra de las ventajas de saber técnica es que la música se vuelve un lengüaje plástico donde puedes verte-encontrarte, pero también puedes ayudar a otros a verse (sin perderte a ti mismo) o incluso crear música que represente ideas de otros con todos sus requerimientos (directores de videojuegos, cortos o películas).

El orden de los hechos

Según mi experiencia, el orden ideal es:

Componer las canciones
(ojalá todas o más para poder seleccionar)
Seleccionar canciones
(si es necesario, al rededor del concepto)
Arreglarlas / Producirlas:
Aunque muchas veces esto va de la mano con la composición, no siempre es así. Suele componerse con voz + instrumento armónico (guitarra, piano, etc); Siempre es bueno producir profesionalmente.
Grabar / Producirlas:
Esto es normalmente cuando es requerido grabar con intérpretes, dependiendo de los instrumentos, puede ser grabado en home studio o en estudios grandes, también dependiendo del concepto puedes necesitar grabar en una toma todos los intrumentos o por separado. Recuerda que la calidad de la grabación es vital para tu producción
Mezcla / Master:
Trabajo vital y en general desconocido, quien lo haga debe saber lo que hace.

En cuanto a álbumes, además de mis 7 discos también he trabajado en producción, co-composición y re-arreglando canciones. Desde el punto de vista de la producción es esencial indagar con el "artista" sus necesidades, gustos estéticos y personalidad, para así alinear la producción con su propio concepto. Si bien, existen muchísimos productores debes buscar uno que se alinee a tus necesidades y gusto estético, puesto que (si compartes mi visión del álbum) es un trabajo que debe representar lo que existe en la esencia de tus composiciones.

Cuando comencé en la música acercándome al mundo profesional no encontré esta información en ninguna parte, y quienes la tenían me cerraron las puertas, por lo que espero, con mucho amor, que esta información sea de utilidad.


Texto y Fotografía: Danilo Dawson


April 2019 Ingredients to make a music album

What is an album? What do you need to do it? What is its objective? What is its value?
Sadly, I’ve discovered that today's users do not read a post with more than 150 words, so I'll talk about this topic in more than one.
Eventually, we’ll talk about how the album concept mutates while moving through different moments of its process, for that reason, I’ll l begin with the ingredients to create one.
Ingredients to make a disc
The first half, which is the process of creating the album is usually connected with a lot of love, work, effort, time and money. A disc usually has coherent sound material in many levels, themes, aesthetics-style, timbres (instruments), a visual concept that shows unity (history has proven that this does not always happen).
The necessary materials are not only tools but also experts who work in the creation of material, as well as other experts who help to transform the ideas created into a whole. The people who create and help to make this happen are a composer (or several), an arranger and/ or a producer who is (or several) in charge of professionalizing songs, performers (singers, guitarists, bass guitarist, drummer, keyboards, string, woodwing, brass instruments, etc), the "artist" (who may have none or some of them, although they are usually singers), recording engineers, mix and master (in addition to the necessary locations to perform these tasks) and designer (s) to the cover and content of the album. With these elements, you can create an EP, LP or Album.
Breakdown (if you are a lazy reader and also do not want to go deeper into this topic, do not read the following paragraph):
There are many factors that vary in the process, I will mention those that nowadays (according to my experience) are completely necessary (exclusively to create the disc) underlined and those that do not in parentheses:
Producer and/or (Arranger); Nowadays, in this area, producers professionalize a song. In case of their knowledge of instrumentation reaches the limit, they usually have an expert arranger, but in general, they are capable not only of managing and arranging but also interpreting and mixing (among other things).
"Artist": The artist is usually the one who manages the project and pays for it. In general, they are shown as singers in the project, however, sometimes they can be instrumental performers, or they can even be people with certain physical characteristics that make them attractive while others sing (there are evidences)
(Interpreters): It is known that the human factor who adds a real interpretation by an expert is invaluable, however, the VSTi technology in the DAW combined with the producer or arranger’s abilities not only to design and orchestrate but also interpret through MIDI controllers has become many interpreters "unnecessary".

(Recording Engineer) and Recording Studio or Home Studio: The use of a home studio depends on the aesthetics of the music or artist.
(Mixing Engineer): This is another section which many producers usually perform the engineer’s work, however, a person who is an expert in sound makes a tremendous difference in terms of the outcome.
(Mastering Engineer): As well as the mix engineer, it’s an area which many producers apply presets in the DAW, as well as some handle the master’s control very well digitally or even analogously. I must say that in my experience, composition, arrangements, interpretation, recording quality, mixing and master are all very important steps in the creation, in addition, if it’s possible to have an expert who can do it, it really makes the difference.
(Photography) and Design: Both professionals are very important (although there are albums
without photography). Discs are usually accompanied by visual material that is in agreement with the concept of the disc.
Once finished the master and the design, the album can be moved to another phase, where it becomes a Product. This changes everything, because we place it in the market, which has its own rules. I’ll go deeper into this topic in this post.
Let’s continue with the ingredients that are usually necessary to make the existence of an "official" record:
Ingredients for the Physical and Digital format
To make an audio cassette tape formats, vinyl, cd's, dvd's (there are dvd's with just music and design) is required a multi-copy machine (which is usually a company). On the other hand, the digital material can be offered to transmit via streaming in differents digital media and also, downloads in digital stores like amazon, itunes, portaldisc, bandcamp, etc, which an account is required in a digital distributor as distrokid or cdbaby.
When the album becomes a product usually requires more design and photography. In spite of the fact that videographers, marketing, lawyers, manager and producer’s job (the producer can continue creating, managing and specifying), probably a booking agent, perhaps a record label and also, other people who are in charge to sell the product (it can be streaming, discs, download codes, qr codes, merchandising, concerts, etc.).
I was lucky to have many experiences recording and playing. In addition, all the information which has been written was not provided by universities or schools. Therefore, I hope that this post can be useful for those who are really interested on it.

To know about my work visit www.youtube.com/danilodawsonvideos

Ingredientes para hacer un disco

¿Qué es un album? ¿Qué se necesita para hacerlo? ¿Cuál es su objetivo? ¿Cuál es su valor?

Como he descubierto (tristemente) los usuarios de hoy no leen un post mayor a 150 palabras, por lo que hablaré de éste tema en más de un post.
Eventualmente hablaremos de como muta el concepto de album mientras se mueve por momentos distintos de su historia, por lo mismo comenzaré con los Ingredientes para crear uno.
Ingredientes para hacer un disco
La primera mitad, que es el proceso de creación del album está normalmente conectada con mucho amor, trabajo, esfuerzo, tiempo y dinero. Un disco normalmente tiene material sonoro coherente en varios niveles, temáticas, estética-estilo, timbres (instrumentos), un concepto visual que muestre unidad (la historia ha probado que esto no sucede siempre).
Los materiales necesarios no son sólo herramientas sino también expertos que trabajan en la creación de material, así como otros expertos que ayudan a transformar las ideas creadas en un todo. Las personas que crean y ayudan a concretar son: un compositor (o varios), un arreglador y/o productor (o varios) encargado de profesionalizar las canciones, intérpretes (cantantes, guitarristas, bajos, baterías, teclados, cuerdas, metales, etc), el "artista" (que puede tener ninguno, uno o más de los anteriores, aunque normalmente son cantantes), ingenieros de grabación, mezcla y master (además de las locaciones necesarias para poder realizar estas labores) y diseñador(es) para la portada y contenido del disco. Con esos elementos se puede crear un EP, LP o Album propiamente tal.
Desglose (si eres un lector flojo, desinteresado en profundizar, no leas el siguiente párrafo):
Hay varios factores que varían en el proceso, marcaré los que hoy en día (según mi experiencia) son completamente necesarios (para exclusivamente crear el disco) subrayados y los que no entre paréntesis:
Productor y/o (Arreglador); Hoy en día los Productores en ésta zona profesionalizan una canción. Para casos en los que sus conocimientos de instrumentación llegan al límite normalmente cuentan con un arreglador experto, pero en general, son capaces de no sólo gestionar y arreglar, sino también interpretar y mezclar (entre otras cosas).
"Artista": El artista es normalmente quien gestiona el proyecto y lo costea. En general se muestran como cantantes en el proyecto, sin embargo aveces pueden ser intérpretes instrumentales, o incluso pueden ser personas con ciertas características físicas que los hace atractivos mientras otros cantan (hay registros de esto en la historia)
(Intérpretes): Si bien el factor humano que agrega una verdadera interpretación por parte de un experto es invaluable, la tecnología de los VSTi en los DAW combinada con la capacidad del productor o arreglador para no sólo diseñar y orquestar sino también interpretar através de controladores MIDI ha vuelto a muchos intérpretes "no necesarios".
(Ingeniero de Grabación) y Estudio de grabación o Home Studio: Dependiendo de la estética de la música o artista incluso puede preferirse el uso de un home studio.
(Ingeniero de Mezcla): Ésta es otra zona en la que muchos productores suelen realizar la labor del ingeniero, sin embargo un experto en sonido hace una diferencia tremenda en cuanto al resultado final.
(Ingeniero en Master): Así como el ingeniero de mezcla, es una zona en que muchos productores aplican presets en los DAW, así como algunos que manejan muy bien digitalmente o incluso análogamente el poder del master. Debo decir que en mi experiencia, la composición, arreglos, interpretación, calidad de grabación, mezcla y master son todos pasos importantísimos en la creación y si es posible contar con un experto para hacerlo, realmente hace la diferencia.
(Fotografía) y Diseño: Ambos profesionales son muy importantes (aunque hay discos sin fotografía). Todo disco normalmente va acompañado por material visual que va en concordancia con el concepto del disco.

Una vez terminado el master y el diseño, el álbum se puede mover a otro mundo, donde se convierte en un Producto. Esto cambia todo, pues colocamos este trabajo en el mercado, el cual posee sus propias reglas. En éste post ahondaré al respecto.
Continuando con los ingredientes que suelen ser necesarios para hacer la existencia de un disco "oficial":

Ingredientes para el formato Físico y Digital
Para crear formatos de casette, vinilo, cd's, dvd's (existen dvds con sólo música y diseño) se requiere una multicopiadora (que normalmente es una empresa). Así como por otro lado, con el material creado digital se puede ofrecer para streaming en los distintos medios digitales y descargas en tiendas como amazon, itunes, portaldisc, bandcamp, etc, para lo cual se requiere una cuenta en un distribuidor digital como distrokid o cdbaby.

Cuando el album se convierte en producto normalmente requiere más diseño y fotografía. Además del trabajo de videografos, y por supuesto encargado(s) de marketing, abogados, manager, productor (si, el productor puede seguir creando, gestionando y concretando), probablemente un booking agent, quizás un sello y otras personas que mueven el producto y lo posicionan para la venta (que puede ser en streaming, discos, códigos de descarga, códigos qr, merchandising, conciertos, etc).
Tuve la suerte de vivir muchas experiencias grabando y tocando, por lo que todo lo aquí escrito no fue aprendido en ninguna escuela sino en la práctica musical. Por lo mismo espero que la información presente sea de utilidad para aquellos realmente interesados.


Texto y Fotografía: Danilo Dawson

April 2019. Yoga & Music: The shadow of virtuosity

5 years ago, someone told me that I’ll never play the piano because of a serious injury which didn’t even allow me to take the cellphone. 
However, in spite of this injury and its consequences, I could play the piano, as I do everyday, with the help of a master, draconian discipline and the love of music. What’s more, I’d like to share some things that I learned during this experience.
In this post, I’ll write a reflection about anxiety, mentality and also fake illusion of virtuosity which implies that “to be good” could be a dead end. 

It’s been a short time since I discovered Yoga, discipline which was always in front of me but I had never practiced before.
In addition, Yoga has become in a big business due to the visual attraction that it offers, distinctly connected with lifestyle, strong and agile bodies which are able to reach the virtuosity, concept that means the quality of being extremely skilled at something, in other words and related with my musical experience, something difficult to reach. On the other hand, in my opinion, there are 2 types of virtuosity: the forced and the natural. The forced refers to when you want to reach something difficult to reach, for example: the attractive, the slogan, what you watch on Instagram, the specific or special difficult thing that the person you admire does
. On the contrary, the natural refers to when your goal requires
discipline, technique, time, balance and not only self love but also love regarding all the difficulties which you have to deal with. When I was an adolescent, I had one of my first forced virtuosity experiences related with music. In addition to other musical pieces considered virtuous too, I could play Rhapsody in Blue which its difficulties were focused on speed and fingering being unfortunately, an example of forced virtuosity. 

What I’ve learnt through music regarding anxiety and virtuosity:

Virtuosity without the proper technique may cause chronic injuries, so it’s fundamental to have a master who can be your guide when you practice (I imagine that it works with all kind of disciplines). If you feel pain it’s because you’re doing something wrong, just stop and look for someone who can help you. Studying in a Conservatory or University is not a synonym that you are learning properly, so It’s fundamental to understand the difference between someone who can teach you and also the real concept of learning. However, there are many universities, institutions, academies and schools in Chile which their main object are selling classes and certificates but not learning how to apply a great technique in order to avoid injuries. You should know that even if you find excellent teachers in these institutions it’s your responsibility to listen them, yourself, and eventually make progress.

At the same time, anxiety is an enemy, because pushing oneself towards to a virtuosity out of the natural timing tends to cause bad consequences. In my experience as a musician, I can say that once you manage the basics of technique, you’ll find yourself with the “aura” of what you practice and then, the experience will be more meaningful and deep. 

I’ve been very determined with my study about music for many years. Consequently, one of the things that I’ve learned during this process was to understand that the speed and difficulty are nothing, at least in music. Music is a language, one of fine arts. Its objective is express, share and also culturally contribute with ideas, values and feelings, in other words, it’s not a competition (excluding free market in music business). Moreover, there are some people who think that music must make that the person who listens can find itself through the music, idea which is related from aesthetics and also concepts as beauty and truth developed by Platon until art deconstruction, specifically, in "The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction” by Walter which is applicable today to the value of music in the digital paradigm. So, I could complete the phrase in this way: speed and difficulty are nothing more than a tool (one of many), which are more significant if there’re connected with a path, speech, an expression, in other words, being a mean and not a goal.

So, music is an space of expression that implies an internal search, both language and also "what to express" are present in each active composer. This reflection is fundamental to understand that "to be good" in composition has only one parameter within the personal universe, more specifically connected with technical and expressive tools consistent within an aesthetic (existing, non-existent, eclectic or not). Therefore, I invite you to read the following questions, which I consider important in my experience, to know your own position which you are situated within the musical paradigm: Is it good to be virtuous? Why? Why do I want to be virtuous? What am I expressing with that virtuosity? 

Once you understand this, we can talk about "Music Business", which it is something completely different as composers do, because it has its own rules. The objective of music business is to

manage music profits where new creations are treated as products to make money. That’s the moment when you must choose whether you follow their rules or you own rules, because there is a possibility that the market will offer as “good” something that’s not actually what you created (in the internal search). In this case, virtuosity could mean a kind of auditory pornography (considering pornography as "glamorizing of an activity", as well as the food porn or the lifestyle that is promoted on instagram, where this glamor is grotesquely celebrated), which seeks to offer you something just educating the importance of virtuosity, but is it really valuable to you? Does it contribute on your path according to what you want to say: do and what makes you happy? Why?. 

Yoga, according to my short experience, is a personal journey, the same as composition, because it has its own rhythm and limits which are just imposed by the abilities of the person who is practicing the discipline. Besides, improving the technique also involves the need to look for a master who can help you avoiding injuries and being your guide in order to be your best version. I must clarify that I haven’t read neither Yoga books nor about its philosophy yet. However, through practice I can see: feel reflections of my musical path, furthermore, the questions and conclusions that I share here make me enjoy the moment of being an apprentice without anxiety or virtuous pretensions because I really enjoy the trip. 

Therefore, from my experience, virtuosity should be despise as a goal, it’s ironic that in general, virtuosity is almost unavoidable if you have discipline. However, I invite readers to enjoy the path, listening and asking yourself about your expectations, where you are going, why and how, as well as to situate yourselves in the experience of practicing, both composition, piano and other paths, like yoga or another “discipline”. As a pedagogue, I’ve seen people reaching the virtuosity without knowing the next steps and the reason why that happen is because these people haven’t asked themselves and reflect about the content on this post. Virtuosity is a consequence. What matters goes beyond: discovering it is in your hands.  

Text by Danilo Dawson

Abril 2019. Yoga & Música: La sombra del virtuosismo.

Hace 5 años me dijeron que nunca más tocaría piano. Una lesión irremediable no me permitía ni tomar un celular sin un dolor tremendo.

Hoy puedo tocar piano, con disciplina, esfuerzo y si bien, no libre de las consecuencias de la lesión estoy en un punto en el cual puedo reflexionar y compartir algunas cosas aprendidas desde la experiencia. En esta ocasión escribiré una reflexión con respecto a la ansiedad, la mentalidad y la falsa ilusión de que el virtuosismo implica "ser bueno", los cual sin deconstruir el "ser bueno" se puede volver un camino sin salida.

Desde hace no mucho he comenzado a practicar Yoga, disciplina que me persiguió por años, pero por distintos motivos miré pero nunca ví. Esta es una práctica que se ha vuelto un gran negocio debido al atractivo visual que ofrece, ligada al lifestyle, los cuerpos fuertes y ágiles capaces de ponerse en formas "virtuosas", palabra la cual (en mi experiencia musical) puede explicarse como "difícil de lograr".  Acá sitúo entonces 2 tipos de virtuosismo: el forzado y el natural. El forzado sucede cuando sólo quieres lograr lo "difícil de lograr" lo atractivo, el slogan, lo que se ve en instagram, eso difícil que hace la persona que admiras. Y por otro lado el natural, que sucede cuando tu meta va más allá, aquel que requiere disciplina, técnica, tiempo, balance y amor (propio y hacia la práctica). Tuve mis primeras experiencias virtuosas en lo musical a corta edad teniendo la oportunidad de tocar la Rhapsody in Blue en mi adolescencia además de algunas otras piezas consideradas virtuosas, principalmente por su dificultad técnica, lo cual estaba principalmente (según recuerdo) en sus dedajes y velocidad, lamentablemente fue un virtuosismo "forzado".

Lo que he aprendido en la música con respecto a la ansiedad por el virtuosismo:
El Virtuosismo sin la técnica adecuada puede llevarte a una lesión de por vida, es vital tener un maestro que pueda guiarte en la práctica (me imagino que esto es aplicable a todas las disciplinas); si algo te duele algo estás haciendo mal, detente y busca un maestro que te ayude. Estudiar en un conservatorio o escuela no es sinónimo de que estés aprendiendo bien; es fundamental comprender la diferencia entre que alguien te enseñe, y realmente aprender. Por otro lado las escuelas (en Chile) existen para vender, no para enseñarte sin que te hagas daño por no tener técnica (aunque también puedes encontrar excelentes profesores dentro de Universidades y Escuelas); por lo que debes saber que incluso teniendo al mejor profesor, es tu responsabilidad escucharlo, escucharte y avanzar en tu aprendizaje.
En paralelo la ansiedad es un enemigo pues al empujarse hacia un virtuosismo fuera del tiempo natural suele tener malas consecuencias. En mi práctica musical puedo decir que una vez que dominas lo elemental de la técnica te encuentras con el "aura" de lo que practicas y se vuelve una experiencia mucho más profunda y significativa.

Con los años he seguido estudiando sin parar (de lo cual estoy muy agradecido) lo que me ha ayudado a entender que la velocidad y dificultad no son nada (al menos en la música). La música es un lengüaje, una de las bellas artes. Su objetivo no es competir (dejemos aparte el libremercado en el music business, lo cual es otro tema) sino expresar:compartir y así aportar culturalmente desde ideas, valores, sentimientos, etc; hay incluso algunos que creen que la música debe lograr que el auditor se encuentre a si mismo, idea que se relaciona con la estética y visita los conceptos de Belleza y Verdad de Platón hasta la deconstrucción del arte en "La obra de arte en la época de su reproductividad técnica" de Walter, aplicable hoy al valor de la música en el paradigma digital. Por lo tanto podría completar la frase inicial de la siguiente manera: la velocidad y dificultad no son nada más que una herramienta (una de muchas), la cual tiene mucho más sentido al estar conectada con un camino, un discurso, una expresión, es decir: un medio y no una meta.

La música es entonces un espacio de expresión que implica una búsqueda interna
, tanto de lengüaje como de "qué expresar" que está presente en cada compositor activo. Esta reflexión es clave para comprender que "ser bueno" en la composición sólo tiene un parámetro dentro del universo personal, relacionado más con las herramientas técnicas y expresivas propias consistentes dentro de una estética (existente, no existente, ecléctica o no). Por lo tanto dejo las siguiente preguntas, importantes en mi experiencia para ordenar justamente el lugar de cada uno dentro del paradigma musical en que se sitúa: ¿Es bueno ser virtuoso? ¿Por qué? ¿Para qué quiero ser virtuoso? ¿Que estoy diciendo con ese virtuosismo?

Una vez con eso claro podemos visitar el "Music Business" (que es una maquinaria completamente distinta a lo que hacemos los compositores y tiene sus propias reglas). El objetivo del music business es manejar el lucro de la música, tratar lo creado como un producto y generar dinero a partir de éste producto. Ahí es dónde cada uno decide si se supedita a sus reglas o a las propias, pues existe la posibilidad de que lo que el mercado ofrece como "bueno" no sea lo que concluiste en el camino práctico (en la búsqueda interna). Es ahí donde podemos encontrar el virtuosismo como una especie de pornografía auditiva (entiéndase la pornografía como "glamourización de una actividad", así como el foodporn o el lifestyle que se vende en instagram, dónde se celebra grotescamente ésta glamourización), que busca venderte algo a partir de educarte frente a lo valioso que es el virtuosismo, pero ¿realmente es valioso para tí? ¿aporta en tu camino, lo que quieres decir:hacer y lo que te hace feliz? ¿por qué?.

El Yoga
, según mi corta experiencia es un camino personal, al igual que la composición tiene un ritmo propio y se limita a lo que uno es capaz, avanzando paso a paso dependiendo de cada uno y que implica también (si se quiere hacer sin lesiones) la necesidad de un maestro adecuado para ser guiado sin lesiones a un espacio en el que uno pueda ser "una mejor versión de uno mismo". Debo aclarar que yo aún no he leído nada de Yoga ni de su filosofía; sin embargo, através de la práctica puedo ver:sentir reflejos de mi camino musical, las preguntas y conclusiones que acá comparto que me hacen disfrutar el espacio de ser un aprendiz sin ansiedad ni pretenciones virtuosas: disfruto el viaje.

Por lo tanto: el virtuosismo desde mi experiencia merece ser despreciado como una meta; es irónico que en general el virtuosismo es casi inevitable si tienes disciplina. Sin embargo invito a l@s lectores a disfrutar el camino, a escucharse, a cuestionar hacia adónde van, el porqué y cómo, así como situarse en la experiencia de practicar, tanto composición, piano como en sus otros caminos, así como el yoga o alguna otra "disciplina". Como pedagogo he visto personas llegar al virtuosismo y no saber que más sigue, porque no se han dado el espacio de cuestionar lo presentado en éste texto: el virtuosismo es una consecuencia. Lo que importa va más allá: descubrirlo está en sus manos.

Text by Danilo Dawson

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